Mi Taller

Bienvenidos a mi Blog, Taller de trompeta. En él intentaré de alguna u otra manera, poder ser de ayuda a todos aquellos interesados en el aprendizaje de este hermoso instrumento. Para ello iré subiendo material ordenado metódicamente, teniendo en cuenta además lo que crea y vea convenientemente adecuado.

Por favor, cualquier sugerencia, házmela saber. Para ello puedes utilizar mi Libro de Visitas, en el cual podrás dejar tu comentario, critica, inquietud, duda, o simplemente tu saludo.

Gracias por tu Visita

"Si posees alumnos a quienes les enseñas música, ayúdalos por todos tus medios posibles a lograr sus sueños. Pero ten mucho cuidado en la manera en que influyes en esos sueños"

Friedrich Gulda


viernes, 27 de junio de 2008

Charlie Parker: Celerity



Siguiendo con el gran Charlie Parker, aqui te dejo un poquito más para que disfrutes de su talento. El video es de una de las tantas Jam sessions para la television estadounidense.

Espero disfrutes de esta versión de Celerity, y mas aún la destreza de una improvisación en todo su explendor.

Bird


Charlie Parker

Charlie Parker nació en el seno de una familia humilde en un barrio de Kansas City. Con 13 años ingresó en el "College Lincoln" donde se despertó en el interés por la música. Empezó a estudiar bajo la dirección de Alonso Lewis, que había tenido como alumno suyo anteriormente a Walter Page entre otros. En la banda de alumnos del colegio, le pusieron a tocar la tuba, pero su madre -bendita madre- no lo consideró un instrumento adecuado para el y con sus ahorros le compró su primer saxo alto.

Aprendió el instrumento de forma autodidacta e intentando al principio imitar a los grandes saxofonistas de Kansas City, como Ben Webster y sobre todo, Lester Young. Era 1935, y con tan solo quince años tenía el carné de músico profesional del "Local 627", sindicato de músicos de Kansas; se acababa de casar con una compañera del colegio mayor que él; iba a ser padre y ya había probado todo tipo de estupefacientes en una ciudad, Kansas City, cuyo alcalde, Tom Pendergast, era un notorio gangster.

En 1938 después de que el clarinetista, Buster Smith, le aconsejara sobre la técnica del saxofón y el uso adecuado de las boquillas y cañas, se marcha a Chicago y de allí salta a New York. Sobrevive fregando platos en un restaurante donde Art Tatum, tocaba el piano y tras cuatro de años con el carné de músico y tras varias experiencias importantes, Charlie Parker entra en la banda del pianista, Jay McShann, con quien permanecerá hasta 1942, siendo un elemento fundamental en la sección de saxos. Con Jay McShann, grabará sus primeros discos importantes y en ellos está el germen del genio extraordinario que vendría poco después. En una de las estancias de la orquesta de McShann en el Savoy Ballroom de Harlem, se cruza por primera vez con quien sería su alter ego musical, el trompetista, Dizzy Gillespie.

Cuando McShann, decidió regresar con la orquesta a Kansas City, Parker optó por quedarse en New York, y participar en la agitada vida musical de la ciudad. Sus jam sessións en el Minton's Playhouse, eran diarias y en ese tiempo, el sustento económico lo proporcionaba un contrato con la orquesta de Earl Hines. De aquel periodo no hay grabaciones debido a la prohibición de grabar discos que se prolongó hasta bien entrado 1944. En aquella banda cantaba un músico que posteriormente formaría la primera bigband bop de la historia; estamos hablando de la orquesta de Billy Eckstines y por la que desfilarían futuros gigantes del jazz moderno: Art Blakey, Miles Davis o Tadd Dameron. "Bird" apodo por el que ya se le conocía, dejó pronto la orquesta y forma un cuarteto para tocar en el club "Three Deuces" de la Calle 52 en una sesión liderada por el guitarrista Tiny Grimes para el sello Savoy. El bebop, estaba a punto de llegar.

En 1945, Charlie Parker grabará junto a Dizzy Gillespie, una serie de discos que, para la historia, quedaran como los primeros verdaderos testimonios de esa nueva forma de jazz. La música contenida en las sesiones de Savoy (1944-1948) y Dial (1945-1947) son hoy indiscutibles clásicos del jazz. En Diciembre de aquel año, encabezando con Dizzy un sexteto estelar se marcho a California con un contrata para tocar en el club "Billy Berg's" de Los Ángeles y la experiencia es un fracaso musical y económicamente. La adicción de Parker a la heroína es total y hay noches que no aparece por el club, lo que provoca que Dizzy Gillespie decidiera no tocar mas con él, cosa que cumple con contadísimas excepciones. Cuando Gillespie regresa a New York, Parker se queda en Los Ángeles dada la relativa facilidad con que allí encontraba la heroína. Su cuerpo no resistió y tuvo que ser ingresado en el Hospital Psiquiátrico de Camarillo, después de una sesión fatídica de grabación de la que salió un angustioso "Lover Man" con Parker casi sin poder sujetar el saxo.

Siete meses después, desintoxicado, pero nunca curado, regresa a New York e iniciará a partir de 1947 y durante cuatro años, la etapa más brillante y creativa de su carrera. Charlie Parker, llevó el mensaje del bebop por los clubes más importantes de New York, -incluyendo el que inauguraron en 1949, cerca d Broadway y que bautizaron "Birdland" en su honor- y de las principales ciudades del país. Firma un contrato con el sello Verve, tercera estación de paso obligatoria en su discográfica junto a las sesiones grabadas para Savoy y Dial. Empieza a llegarle los honores cuando las revistas especializadas: Down Beat y Metronome, lo eligen varias veces como "Numero Uno" en su instrumento. 1949, es el año de su primer viaje a Europa con ocasión del Primer Festival Internacional de Jazz de Paris. En 1950 vuelve a visitar Europa tocando en Escandinavia y en 1951, lo hace en una gira organizada por Norman Granz bajo el patrocinio del JATP.

Nuevas recaídas con la droga le avisan del estado de salud, y provocan que le sea retirado el carné para poder tocar en los locales de New York. Mantiene una relación amorosa y sentimental con Chan Richardson que le da un hijo y una hija. Es la muerte prematura de esta última en 1954 la que acelera su fin. Alterna sesiones musicales grandiosas con estados depresivos cada vez más frecuentes, bebe como un cosaco y su conducta es cada vez más caótica hasta el punto de que intenta suicidarse de nuevo. Su última aparición en Birdland, el 5 de marzo de 1955 será una autentica catástrofe. El día 9 sintiéndose mal se refugia en la casa de la Baronesa Pannonica de Koenigwarter donde falleció mientras miraba un show cómico en la TV.

Charlie Parker, tenía 35 años y su muerte según el parte médico del forense - que dejó escrito que el cadáver era de un hombre que aparentaba 60 años- fue producto de una combinación entre neumonía, ulcera de estomago, cirrosis e infarto posterior. Al día siguiente, apareció por todas las paredes de New York, y en los vagones de metro, graffitis e inscripciones que decían: "Bird lives".

Charlie Parker fue y será el gran saxofonista de Kansas, su sonido inconfundible y su inigualable y versátil estilo de improvisación, es recordado y preciado como lo que fue. Un grande, o tal vez el más grande dentro de la historia del Jazz.

jueves, 26 de junio de 2008

Digitaciones: Instrumentos varios


En esta oportunidad quisiera compartir con ustedes un interesante Link.

Se trata de la pagina mouthpiece express en donde encontraran digitaciones de varios instrumentos musicales, como por ejemplo; Trompeta, Clarinete, Saxo, Corno Ingles, Trombón. Flauta traversa. Oboe, etc.

Creo que será de gran utilidad para aquellos que quieren estudiar un instrumento y que aun no tienen la posibilidad de un asistir a un profesor.

La figura de arriba - digitacion de la Trompeta - es un ejemplo de las digitaciones que estan en formato PDF, las cuales podran bajarse gratuitamente.


Nota. para ir a la pagina clic Aqui (Digitaciones: Instrumentos varios)

martes, 24 de junio de 2008

Autumn Leaves

Las Hojas Muertas


Esta nueva sección - Partituras Jazz Online - estará dedicada a los mas conocidos Standard de Jazz. Y como para comenzar en esta ocasión he elegido una hermosa melodía llamada Autumn Leaves - Las Hojas Muertas -.

La música de esta interesante melodía pertenece a Joseph Kosma, mientras que la letra pertenece a dos autores. Johnny Mercer: versión Ingles y Jacques Prevert: versión en francés.

Progresivamente iré armando una biblioteca online de partituras, las cuales irán acompañadas por sus respectivas pistas de acompañamiento. Sera como tener músicos en vivo solo para nosotros.

La partitura esta escrita para instrumentos en Do - tono concierto- Es decir que debemos subir un tono lo escrito para poder tocar junto a la pista. Mas adelante tratare de ir subiendo temas escritos para instrumentos en Bb, y así poder facilitar las cosas para aquellos que todavía les cuesta un poco el tema de transportar música escrita. Espero les sea de utilidad.

Para bajar - pdf - y pista en Mp3. Clic AQUI

Nota: 21-07-09 - He cambiado la partitura de que se encontraba en esta entrada. Actualmente en reemplazo de Las Hojas Muertas para instrumentos en Do (la anterior). He subido la correspondiente para Trompeta (actual) y demás. Pero si bajas el Archivo rar, encontraras la pista mp3 + las partituras en Bb y C.

Hasta la Proxima !!

domingo, 22 de junio de 2008

Primeros pasos con la Trompeta

Leccion III


Click en la imagen para ampliar

Continuando con nuestra aproximación al mundo de la Trompeta, y para comenzar propiamente su estudio, iré escribiendo estos ejercicios que servirán para ir familiarizándose en la ejecucion de las distintas notas de la escala. En este caso he comenzado con las figuras de mayor valor - redonda, blanca y negra. Esto permitirá un mayor tiempo de coordinación al momento de tocar las notas. Ya que para lograr esto, nuestro cerebro debe trabajar sobre los siguientes elementos:

1.- Pensar la nota que debemos tocar.
2.- Enviar la orden a nuestro labios para lograr la adecuada tensión de los mismos.
3.- A la vez que nuestros dedos debes ajustarse a la digitación necesaria.

Todo coordinado a nuestra respiración, que debe ser adecuada para lo que debemos tocar. Es decir; la capacidad de aire requerida debe ser la necesaria para lograr mantener la columna de aire durante toda la duración de las notas. Esto dependerá fundamentalmente de una buena técnica al momento de respirar. Algo realmente importante, y que debemos cuidar desde el comienzo al estudiar cualquier instrumento de viento, no solo trompeta.

Los primeros ejercicios deben tocarse:

Lentamente
Manteniendo el sonido respetando la duración de cada figura
Marcando bien las notas

Estos ejercicios preparatorios nos ayudaran a obtener una solida base en la ejecución del instrumento, esto es; ataque, afinación, sonido. Lo que dará como resultado la confianza necesaria para una interpretación segura y principalmente afinada en la Trompeta.

sábado, 21 de junio de 2008

Nuestro Gran Amor


La Música, el gran amor !!! y obviamente con nuestro instrumento, es parte de nuestra vida ..... y daremos todo por ella. :-)

martes, 17 de junio de 2008

Metodo Arban




El Método ARBAN, es uno de los libros dedicados a la enseñanza de la trompeta más usado en el mundo. En él se desarrollan en forma progresiva y muy didáctica todos los elementos necesarios para adquirir un dominio en la ejecución de este instrumento. Es el método elegido por numerosos conservatorios y academias de música.

Esta divido en tres partes:

La primera de ellas dedicada a la iniciación en la trompeta. Donde desarrolla conceptos tales como: Lectura de figuras, escalas mayores, flexibilidad, adornos, etc.

Una segunda parte apuntando al estudio de intervalos, acordes y cadencias.

Y por ultimo una tercera dedicada íntegramente a estudios característicos, fantasías y variaciones.

Esta versión del Método Arban esta en idioma Ingles. Haz clic Aquí para descargar.

Si deseas la versión en Español clic Aquí.

Hasta la Próxima !!

Blue Train / GRP All Star Big Band


La GRP, es una agrupación de músicos de Jazz que data de finales de los 80. Creada bajo la dirección de Dave Grusin y Larry Rosen. Desde sus comienzos a recorrido y actuado en muchísimos y afamados escenarios del mundo.

Esta Big Band, es llamada de las estrellas dado que esta conformada por músicos de gran
envergadura tales como; Arturo Sandoval, Chuck Findley, Randy Brecker en trompeta. George Bohamon - trombón, Eric Marienthal, Nelson Rangell, y Bob Mintzer en saxo. Gary Burton - vibráfono, Alex Acuña - Percusión, Lee Ritenour - guitarra y John Patitucci en bajo.


En esta oportunidad les presento a la GRP en una interesante interpretación de Blue Train, el excelente tema del disco del mismo nombre grabado en el sello discográfico Blue Note, en el año 1959. Cuyo autor fue unos de los mas grandes saxo tenor de la Historia del Jazz: Jhon Coltrane.

Glenn Miller

Miller, con su particular estilo de arreglos que realizaba con su Banda. Hizo que su música fuera inconfundible, y particularmente sensible y romántica.


Alton Glenn Miller, nació en Clarinda, Iowa, EEUU, el 01 de marzo de 1904, hijo de Elmer Miller y Mattie Lou Cavender, quienes tuvieron dos hijos, Dean el mayor y Glen el segundo, quien más tarde cambiaría su nombre por Glenn. Fue su padre quien le obsequió una mandolina que lo llevó por los senderos de la música. Más tarde Glenn cambió la mandolina por un corno. Por esos años, la familia Miller vivía en Tryon, Nebraska. En 1915, esta vez en Grant City, Missouri, nació el menor de los hermanos, Herb y luego, en 1923 se mudaron a Colorado, donde Glenn inició sus estudios superiores en la universidad del estado.

Glenn realizaba audiciones y tocando siempre que se le presentaba la oportunidad. Debido al descuido en sus estudios, en un solo semestre, fue reprobado en tres de sus seis cursos y decidió abandonar la universidad dedicándose por completo a la música.

Estuvo actuando en varias orquestas hasta que decidió viajar a Los Ángeles donde encontró cabida en la banda de Ben Pollack, que también contaba con el entonces poco conocido músico llamado Benny Goodman. En la banda de Pollack Miller tuvo la oportunidad de escribir algunos arreglos.

Viajó a Nueva York y en 1928, se casó con su compañera de colegio Helen Burger, ganándose durante los tres años siguientes la vida como trombonista y arreglista. Poco después tocó y grabó arreglos con los hermanos Tommy y Jimmy Dorsey, que por entonces contaban con un joven cantante llamado Bing Crosby y los músicos Gene Kruppa, Eddie Condon y Coleman Hawkins. Para esa época, Glenn Miller compuso para Benny Goodman y trabajó en radio para los programas de Victor Young, Carl Fenton y Jacques Renard.

A los 32 años, Glenn fue director musical de la banda de Dorsey y poco después organizó la Orquesta de Ray Noble que contaba con músicos de gran jerarquía como Charlie Spivak, Peewee Erwin, Bud Freeman, Johnny Mince, George Van Eps y Delmar Kaplan.

En abril de 1935, Glenn Miller grabó por primera vez bajo su propio nombre usando seis instrumentos de viento, batería y un cuarteto de cuerdas. Para Columbia grabo "Moonlight on the Ganges" and "A Blues Serenade". Sin embargo no tuvo mucho éxito y continuó con la Orquesta de Noble.

En 1937, Glenn Miller decidió formar su propia banda grabando para Decca y Brunswick, actuando en New Orleans y Dallas, pero sin mucho éxito, lo que le obligó a disolver la banda la misma noche de Año Nuevo. Muy deprimido regresó a Nueva York.

No se sabe exactamente cuando y como Miller desarrollo el sonido que caracterizaría a sus orquestas poco después, pero el milagro ocurrió durante esos meses en que no sabía qué es lo que haría en el futuro. Con su clarinete tocando en primera voz y el saxo tenor tocando exactamente las mismas notas, con el acompañamiento armónico de otros tres saxofones, creó el sonido característico que fue el sello de Glenn Miller y que la diferenciaría de las otras grandes bandas de la época.

En 1938, la segunda Orquesta de Glenn Miller con la participación de Tex Beneke, Marion Hutton, Ray Eberle, Paul Tanner, Johnny Best, Hal McIntyre, y Al Klinck, muy pronto comenzó a ganarse un espacio en las disqueras. Durante la Feria de Nueva York en Siracuse, Glenn Miller logró reunir la más grande concentración de público que bailó al ritmo del sonido de Miller. La noche siguiente el público llenó el Hershey Park Ballroom en Pennsylvania, mientras se grababa la presentación de todos los tiempos de Guy Lombardo. Luego de ese éxito fue invitado por ASCAP para tocar en el Carnegie Hall con tres de las grandes orquestas del momento: Paul Whiteman, Fred Waring y Benny Goodman. El éxito de Miller éxito fue rotundo.

La guerra había comenzado en Europa cuando grabó "Tuxedo Junction" (5 feb 1940), "In the Mood", y "Pennsylvania 6-5000" para la RCA. Para esa época la serie "Serenata de Claro de Luna" para auspiciado por los cigarrillos Chesterfield que se irradiaba tres veces por semana por la cadena CBS.

En 1941, Fue a Hollywood donde trabajó para su primera película titulada "Sun Valley Serenade" que introdujo la grabación que vendió un millón de copias, "Chattanooga Choo Choo". Pronto los aires de guerra y finalmente el ataque a Pearl Harbor comenzaron a llevarse a los jóvenes al servicio militar.

El 2 de abril de 1942 Miller grabó American Patrol y el 7 de octubre de 1942, Alton Glenn Miller se presentó como voluntario en el Ejército, luego de ser rechazado por la marina debido a sus 38 años de edad, siendo asignado al Cuerpo de Especialistas. Después de lograr convencer que con su música podía elevar la moral de las tropas, Glenn Miller recibió el rango de Capitán. Su última presentación como civil fue en Nueva Jersey el 27 de setiembre de 1942, donde la banda cerró el concierto con la interpretación de Serenata de Rayo de Luna, que no pudieron terminarla debido a la tristeza que los embargaba.

Luego del entrenamiento fue transferido al Cuerpo Aéreo del Ejército donde organizaría la Banda de la Fuerza Aérea del Ejército. En 1943, Glenn Miller y su banda de 50 músicos, fueron enviados a Londres, donde realizó innumerables presentaciones, incluyendo algunas donde estuvo como invitada la popular cantante Anne Shelton.

En menos de un año, la Banda de Glenn Miller tuvo 800 presentaciones y se le programó para que realizara un tour de seis semanas en París y otras ciudades ya en poder de los Aliados en Europa. Glenn Miller partió el 15 de diciembre de 1944 a Paris con el propósito de organizar la estadía de su banda y a partir de entonces no se le volvió a ver más. Su desaparición sigue siendo un misterio, porque el pequeño avión Noorduyn Norseman UC-64 en que viajaba Miller, jamás llegó a Paris, sin que se supiera lo que sucedió durante el vuelo. La banda continuó sus actividades bajo la dirección de Jerry Gray hasta el 13 de noviembre de 1945, cuando hizo su última presentación ante el Presidente Truman en Washington. El mayor Glenn Miller fue el único miembro de la banda que no sobrevivió a la guerra.

Muchas leyendas se tejieron sobre la muerte de Glenn Miller. Unos rumores decían que murió en los brazos de una prostituta en París y que el hecho fue ocultado por las autoridades militares. Otros decían, de manera descabellada que había sido hecho prisionero por los alemanes y que murió torturado. Finalmente, existe un video aficionado que muestra a un veterano navegante de nombre Fred Shaw quien poco antes de morir dijo haber sido testigo de que el pequeño avión C-64 fue destruido cuando una flotilla de bombarderos Lancaster regresaba de una misión fallida y al soltar la carga de bombas en el canal, una de ellas causó el derribo del pequeño avión Noorduyn Norseman UC-64. Sólo años después, al ver la película de Glenn Miller, Fred Shaw pudo relacionar el hecho con lo acontecido el día 15 de diciembre de 1944, asegurando que todo indicaba que el avión fue el de Miller. Investigaciones efectuadas parecen asegurar que así fue.

Diana Krall - Live in Paris


Diana Krall en vivo

Este vídeo musical en formato Dvd, fue grabado en vivo en el Olympia de París el 1 de diciembre de 2001, poco después de la salida al mercado de su CD The Look of Love.

La banda, donde se destacan el guitarrista Anthony Wilson y el bajista John Clayton , acompañados por un grupo de cuerdas de la Orquesta Sinfónica de París, dan como resultado un excelente e impecable apoyo musical a Diana Krall.

Si deseas bajar este video, puedes hacerlo a través de las paginas del tipo P2P (Torrents) . Para ello necesitaras el Software uTorrent, el mismo es un pequeño y útil programa destinado a las descargas de archivos compartidos.

Te dejo dos opciones para descarga:

Formato Dvd (4 Gb) haciendo clic Aqui,
Formato Mp4 (667 Mb) haciendo clic Aqui.

Hago la debida aclaración: el archivo no me pertenece, ha sido subido por un usuario de este tipo de paginas.

La descarga de este tipo de archivos, sin importar su tamaño, se hace una tarea muy sencilla a través del uTorrent.

Hasta la próxima !!

sábado, 14 de junio de 2008

Rita Moreno & The Muppet Show



Esta sección esta dedica al humor, y obviamente humor relacionado a la música y su entorno. El video que les presento, pertenece al excelente y recordado programa de televisión The Muppet Show.

Y en esta oportunidad "animal" esta acompañado por la cantante y actriz nacida en Puerto Rico, Rita Moreno.
Verdaderamente es más que divertido, y creo que a mas de uno de ustedes les traerá recuerdos de la infancia.

viernes, 13 de junio de 2008

Wynton Marsalis

Alma, corazón y vida

Parte II

Suena a una declaración de amor…

Los músicos de jazz aman la música española, todas las músicas que forman la música española, su encuentro con la música africana, las músicas en las que se pueden encontrar rastros, en América del Sur, en toda América… En el tango, en la música cubana. Yo soy de Nueva Orleans, y muchos de los primeros músicos de allí eran cubanos de origen, como Manuel Pérez, y muchos de los ritmos del jazz vienen de allí, tienen huella española. Se han grabado grandes discos con esa huella, el más conocido es Sketches of Spain, de Miles Davis. Es toda esta gran tradición, y el cante jondo, y la presencia de la guitarra, la soledad de la trompeta… Todo eso está en el blues, aunque sea algo diferente. En la Lincoln Center Jazz Orchestra hemos trabajado con Chano Domínguez, el gran compositor español, y colaboramos con su grupo, el Flamenco Jazz Ensemble, así que tuvimos oportunidad de tocar mucho juntos y hablar mucho de similitudes y diferencias…

Cuando viajó a Nueva Orleans, tras el huracán Katrina, dijo que se dio cuenta realmente del grado de devastación cuando buscó uno de sus restaurantes favoritos, el Mandina’s…

Sí, hombre, Mandina’s… No pude encontrarlo. Iba allí cuando era estudiante. Es una tragedia lo que pasó; hay que reconstruir todo eso. Una tremenda devastación en barrios y más barrios… En todo.

¿Cómo encontró a la gente de Nueva Orleans?

La gente está enfadada, y los que no tienen dinero están desesperados. Sin embargo, todos los que pueden conseguir créditos o ayudas se muestran esperanzados. Cada uno tiene un sentimiento distinto, pero nadie quiere que se abandone la ciudad, todo el mundo se siente muy unido a Nueva Orleans.

¿Se corre el peligro de reconstruir una ciudad totalmente diferente?

Bueno, siempre se corre ese riesgo. No se puede reconstruir exactamente lo mismo. Es muy complicado. La esperanza es que pueda volver la mayor cantidad de gente posible para que participen en la reconstrucción.

A usted le gusta decir que Nueva Orleans es el alma de Estados Unidos. ¿Seguirá siéndolo después de la reconstrucción?

No lo sé. Nadie lo sabe. Tendremos que ver qué pasa. Me encantaría que fuera así, pero no lo sé. Es exactamente igual que cuando te sometes a una operación: nadie te puede decir con absoluta seguridad qué es lo que te va pasar. Tú quieres estar mejor, quieres salir de la operación mejor de lo que entras, pero no lo sabes. Y si alguien te dice otra cosa, miente. No lo sé. Veremos.

¿Ha tenido algo de positivo la catástrofe, en el sentido de aprender cómo no hay que hacer las cosas?

El huracán fue, en cierto sentido, como una bendición para nosotros. Nos mostró un montón sobre nosotros mismos. La pregunta es si, viendo lo que vimos, habremos aprendido algo. Es como si usted viene a mi casa para recibir una lección de música; eso no quiere decir que después va a regresar a su casa y practicar lo que le dije. Tiene que estar dispuesto a mejorar, porque si no… Sabe lo que digo, ¿no? Vimos también lo grande que es el corazón de este país; mucha gente dio mucho dinero para ayudar a Nueva Orleans. Fue increíble. Y también vimos cómo nos fallaron muchos organismos. Vimos un montón de cosas.

Es sabido que una de sus pasiones es la educación de la gente joven; algo a lo que dedica además grandes sumas de dinero… ¿Qué es la enseñanza para usted?

[Largo silencio]. Para mí, enseñar es un gran círculo. Yo sigo recibiendo clases. Como le decía, cuando he estado con músicos como Chano Domínguez, he intentado aprender de ellos cómo tocar… Y cuando compuse Congo Square [dedicada a Nueva Orleans] aprendí muchísimo de Yacub Addy [un maestro de la percusión de Ghana que vive en Estados Unidos]. Recibo clases de trompeta, y al tiempo enseño a tocar la trompeta a mis alumnos. La vida es un gran círculo, y a través de ese círculo vamos haciéndonos la ilusión de que en nuestro caso todo será muy distinto, pero no es así. No somos muy diferentes a un niño de 9 años. El tiempo pasa volando. Tienes 20, y ves a alguien de 50 y piensas: qué mayor es, y antes de que te des cuenta tienes ya 50. Y antes de que te des cuenta vas a tener 80. Y antes de que te des cuenta vas a estar muerto. Pero tú eres el mismo. Aunque cambies.

Usted, y muchos otros, han afirmado que el jazz es la música del siglo XX. ¿Qué va a pasar con el jazz en el siglo XXI? Si hay que juzgar por las ventas, sigue siendo algo muy minoritario…

Tendremos que ver qué pasa. Algunas épocas se definen por sus músicas, pero nadie sabe cómo se llega a eso. La mayor parte del jazz aún no ha sido escuchado.

¿Qué quiere decir?

Que la mayoría de la gente no ha escuchado la música de Duke Ellington. No han escuchado a Coltrane. La mayoría de la gente no ha escuchado a Art Tatum; aún no ha escuchado a Billie Holliday, a Charlie Parker. Están ahí, esperando ser descubiertos. Tienen pequeños grupos de seguidores, pero muy pequeños. Así que quién sabe sobre el siglo XXI y el jazz… Hay mucho jazz aún por descubrir.

Hay críticos que han dicho que usted dio vida al jazz, pero que ahora está más interesado en preservarlo que en su evolución.

Eso es lo que escriben, sí, pero es algo que no se puede tomar en serio.

Parece no prestar mucha atención a las críticas…

No es que preste o no preste atención; llevo recibiendo críticas desde hace 26 años. Es que no es serio. Es que no saben qué es lo que critican. En todo este tiempo, yo nunca he recibido una crítica que… No podría decirle: este tipo realmente me destrozó, fue una crítica que me hizo mucho daño… No, la crítica de jazz no es seria en la mayor parte de los casos, las críticas que me hacen no son serias. Es fácil decir eso de que estoy preservando el jazz… ¿Qué habrá sido exactamente, en mis 60 grabaciones, lo que ha dado esa sensación? No es serio. Muchas veces creo que piensan que el jazz no es suficientemente serio como para criticarlo. Me gustaría realmente recibir una mala crítica de alguien que se tomara en serio el asunto, que conociera la música, y que realmente me destrozara, pero nunca la he tenido. No es serio, hombre, no es serio… Es una broma, es como si alguien escribe sobre una sinfonía de Beethoven y dice: “Suena como si fuera de Haydn”. ¡Haga una crítica de verdad, hombre! ¡Cuente los desarrollos de los temas, diga qué es lo que está tratando de hacer ese tipo, diga en qué acierta y en qué no, tómese en serio la música! No se puede decir, “suena como Haydn”, “suena como música clásica”…

¿Qué hace diferente al jazz de otras músicas?

El jazz es diferente porque es una conversación. Es una improvisación colectiva. Hay mucha música de jazz que está escrita, pero mucha otra no. Y siempre es algo nuevo; no hay ningún grupo de gente que se reúna y que tenga la misma conversación, son siempre distintas… Cuando pones a un grupo de gente a hablar, su conversación es diferente a la del grupo de al lado. Lo que hacemos es hablar, comunicarnos. Y hay muchos estilos, y podemos comunicarnos de muchas maneras diferentes. Y hay de repente un estilo nuevo que aún no tiene nombre, y puedes comunicarte en ese estilo…

¿Por qué el jazz es tan norteamericano?

Porque hubo libertad. Que las raíces del jazz surgieran entre la gente que estaba en una situación de esclavitud tuvo todo el sentido del mundo. Cuando a alguien se le niega algo, lo que se le niega adquiere mucho más sentido para esa persona. Si todo el mundo puede ver y tú eres ciego, ver significa mucho para ti. Es como lo de la vista que se contempla desde aquí; yo la veo todo el tiempo, y ya no la miro, no la aprecio. Pero usted, al entrar, dijo: “Hombre, qué vista tan buena. Eso es lo que dijeron los esclavos cuando fueron liberados: ¡Libertad! ¡Maldita sea, esto es lo que se siente al ser libre!”. Y ya hacían música desde antes; hacían gospel, hacían blues cuando no eran libres, y luego tenían tantas cosas que decir de cómo lo habían pasado, y tanta alegría de no ser ya esclavos… Muchas cosas sobre la libertad y la democracia, y los Estados Unidos… Y esa fue su conversación… Y luego, el jazz estuvo en mucha más gente, y en la manera en la que actúa este país y su gente; está en la tensión, en la improvisación, en cómo somos…

Y en muchos lugares distintos

Le voy a decir de dónde son los músicos de nuestra banda: Ted Nash es de Los Ángeles, Joe Temperley nació en Escocia, Walter Blanding es de Cleveland, Sherman Irby viene de Alabama, Carlos Henríquez es del Bronx, Dan Nimmer nació en Milwaukee (Wisconsin), Marcus Printup es de Georgia; Ryan Kisor, de Iowa; Sean Jones nació en Ohio; Ali Jackson es de Detroit; Andre Hayward, de Tejas; Victor Goines es de Nueva Orleans, y Vincent Gardner, de Virginia.

Se sabe de carrerilla de dónde es cada uno…

¡Claro! Es como si fueran mis hermanos. A muchos de ellos los conozco desde críos. Somos como una familia.

¿Qué le gustaría hacer, Wynton, que aún no haya hecho?

Me gustaría escribir ópera. Quiero escribir una gran ópera sobre el movimiento de los derechos civiles. Y hacer más cosas en música: quiero escribir para grandes bandas y para grupos pequeños… Tengo muchas ideas, muchos proyectos. Tengo mucha música escrita que todavía no he sacado a la luz.

Su tío abuelo Pomp era cantero, hacía lápidas para cementerios. Y le solía decir, cuando usted era niño: “La gente se va, pero estas lápidas van a estar aquí para siempre”. ¿Qué le gustaría que quedara de usted?

No sé. Lo que quiero es seguir haciendo música y… No sé. Me encantaría conseguir que a los afroamericanos les gustara el jazz.

¿No les gusta?

No.

¿Y eso?

No lo conocen. Fue una ironía que la gente que no era libre cantara canciones de libertad. Pero muchas veces no aceptamos cosas que tienen que ver con nuestros orígenes… ¿Sabe el refrán de que nadie es profeta en su tierra? Así es esto. Nadie lo entiende, pero así es. Y no es algo nuevo, ocurre desde hace mucho, no es un fenómeno nuevo.

http://www.elpais.com JOSÉ MANUEL CALVO 02/07/2006

jueves, 12 de junio de 2008

Primeros pasos con la Trompeta

Lección II

Digitación

Escala cromática y digitación de las notas en la Trompeta


Los números bajo las notas de la escala, nos indican los pistones que debemos bajar con nuestros dedos para emitir conjuntamente con el trabajo de nuestro labio las distintas notas de la escala.

Ejemplo;

numero
O = notas tocadas al aire.
1 = notas tocadas con el 1º pistón
2 = notas tocadas con el 2º pistón
1,2 - 2,3 - 1,2,3 = combinación de pistones

En las lecciones anteriores habíamos vistos algunos consejos importantes para un buen desarrollo del aprendizaje de la Trompeta. Lo que les presento aquí es la digitacion de la Trompeta conjuntamente con la escala cromática. En esta oportunidad la he comenzado en el do (grave), y finalizando en el si natural (agudo). Cabe aclarar que la escala en la Trompeta comienza en el Fa# grave*. Y se prolonga hasta un poco mas de 2 (dos) octavas y media hacia lo agudo**. Siendo desde el do grave al sol agudo, la extensión más fácil de tocar.

* En teoría o al menos es lo que que dicen los métodos de trompeta mas convencionales (Arban,Gatti) la escala comienza en Fa# bajo el pentagrama, pero la realidad dice otra cosa. Existen las llamadas notas pedales, que no podemos de ninguna manera dejar de lado, y no aclarar su existencia. Básicamente las notas pedales no son de uso muy común, dado que no tienen mucha utilidad a la hora de interpretar una obra musical. más bien son usadas como complemento en el estudio diario o rutina para el trabajo y entrenamiento de los labios.

** Este vendría a ser el registro mas usado. Pero igualmente, en lo referido al registro agudo sucede algo similar al grave. Teóricamente la extensión de la Trompeta seria de un Fa# grave (bajo el pentagrama), hasta Do agudo (sobre el pentagrama). extensión usada en casi todos los estilos musicales. Pero esta extensión es sobre pasada normalmente con cierta facilidad por la mayoría de los trompetistas. Es decir que en algunos casos como por ejemplo; Jazz, Salsa, y otros. Los ejecutantes de trompeta producen notas tan agudas como les permite su embocadura y/o técnica musical. Los trompetistas llamados "agudistas" acostumbran a tocar notas en registros sobre agudos, tales como; Re, Mi, Fa, y sol sobre agudo (octava de Sol sobre el pentagrama). Y aun más agudo todavía. Uno ejemplo de este tipo de trompetista fue Cat Anderson, solista en la Orquesta de Duke Ellintong. Y Más actualmente, Arturo Sandoval, trompetista cubano.

lunes, 9 de junio de 2008

The Benny Goodman Band



Sing, Sing, Sing

Benny Goodman - clarinete- fue un pionero en la década del 30. Las grandes bandas eran requeridas en todo lugar, su música de ritmo rápido y sincopado era ideal a la hora de amenizar los bailes de la época. Jóvenes y adultos bailaron al son de esta Orquesta.

A este movimiento musical se lo conoció con el nombre de; Era del Swing o de las grandes bandas (Big Band). Y como vemos en el video se trata de agrupaciones de 12, 14 o mas músicos divididos en secciones de instrumentos. Este tipo de Big Band, fue producto y necesidad del apogeo del Jazz a mediados del siglo XX.

Primeros pasos con la Trompeta

Lección I

Pasos a tener muy en cuenta a la hora de comenzar el estudio de la trompeta.

1.- Posición de la boquilla (embocadura)

La boquilla debe ubicarse en el medio de la boca. De esta forma utilizaremos la totalidad de la musculatura de nuestros labios. Lo cual, nos dará la resistencia apropiada para un mejor desenvolvimiento a la hora de tocar nuestro instrumento. Algunos tienden a ubicar dos terceras partes sobre el labio inferior y un tercio sobre el superior o a la inversa. La realidad demuestra que no hay una posición mejor que otra. Todo dependerá de la forma de nuestra boca, es decir; tamaño o grosor de nuestros labios, de nuestra dentadura. Etc.

Lo que NO debe variar sobre todo si queremos llegar a tener una buena ejecución, es la posición de la boquilla sobres los labios al tocar notas en el registro grave y luego pasar al agudo. Las notas graves se tocan con el labio perfectamente relajado casi sin presión sobre la boquilla, y luego conservando la misma posición, se ejerce una leve y relativa presión de los labios para obtener las notas del registro agudo.

Cuando tocamos debemos tener mucho cuidado de que no se produzca alguna pérdida de aire por la comisura de los labios. Lo que afectaría directamente a la correcta emisión del aire dentro de la boquilla y por ende a la ejecución misma.

2.- Respiración adecuada

Debemos mantener la cabeza recta y nuestro cuerpo relajado al momento de tocar. El trabajo lo harán nuestros labios conjuntamente con una buena y aplicada respiración. Para ello utilizamos nuestro diafragma. (musculo que corta en forma horizontal nuestro abdomen) conjuntamente con los músculos intercostales.

Este tema, la respiración es de suma importancia cuando queremos tocar instrumentos de viento. Obviamente se llaman así, de VIENTO, dado que para poder producir los sonidos en ellos, hace falta el paso de una columna de aire por su interior.

La forma ideal – al menos para mí es la más efectiva y eficiente- para respirar cuando tocamos la trompeta es de la siguiente:

a.- Llevamos nuestro instrumento a la boca, es decir apoyamos la boquilla en nuestros labios.

b.- Respiramos en primer término por la Nariz*, Luego dilatamos nuestro diafragma, enviando el aire de nuestra respiración hacia el abdomen. Que en esta etapa de la respiración debe expandirse.

c.- Para luego mediante la vibración de nuestros labios sobre la boquilla vamos produciendo los sonidos o notas musicales.

d.- En esta etapa, la de llevar la columna de aire hacia el instrumento el diafragma se va contrayendo a medida que vamos quedándonos sin reserva de aire. Para luego retomar a la primera etapa.

* Cuando hablo de respirar en primer término por la Nariz, me refiero a que cuando uno usualmente esta relajado, con el tiempo suficiente como para tomar una buena cantidad de aire – antes de empezar a tocar- utilizamos este tipo de respiración (por la nariz). Pero hay momentos en los cuales estamos tocando pasajes musicales rápidos o largos y casi no disponemos de tiempo para una correcta oxigenación. Es entonces que utilizamos nuestra BOCA para respirar. Mientras tocamos abrimos las comisuras de los labios y hacemos una respiración profunda pero muy veloz. De esta forma, la fluidez de la interpretación no será afectada.

La velocidad del aire dentro de la boquilla se relaciona con los registros. En las notas agudas se producen vibraciones más cortas lo que es provocado por la tensión del labio y un paso más veloz del aire hacia el instrumento. En el caso del registro grave, las vibraciones son más lentas y largas. Lo que produce una columna menor de aire (menor velocidad), y por consecuencia notas más graves.

3.- Modo de Producir el sonido

El sonido o notas se producen gracias a la boquilla, que es el factor más importante a tener en cuenta a la hora de formar nuestra embocadura – llamada así a la relación existente entre labio y boquilla, es decir el acomodamiento y/o calce de la boquilla sobre nuestros labios. Algo similar a esto serian los cayos que genera el roce de las cuerdas de la guitarra en las yemas de los dedos en estudiantes de guitarra o cualquier instrumento de cuerda.

Para acostumbrar a nuestros labios a la necesaria vibración, que será lo que producirá el sonido en la trompeta. Realizamos el siguiente ejercicio:

Practica de “Buzz” -zumbido-

Con nuestra boca cerrada y los labios unidos de forma tal que la parte carnosa (rosada) del labio superior se apoye perfectamente a su similar del labio inferior.

Pronunciamos la silaba “TA” (sin abrir la boca), para lograr la vibración de nuestros labios. Esto lo hacemos ayudados por el movimiento de la lengua (golpe de lengua), que sirve de compuerta para el paso del aire desde nuestra boca hacia la boquilla. Repetimos este ejercicio las veces que sea necesario hasta poder producir y sostener la vibración con una determinada fluidez.

Cuando logramos mantener la vibración por un determinado intervalo de tiempo, intentamos hacerlo con la boquilla apoyada en nuestros labios. Siempre teniendo en cuenta las recomendación anteriormente mencionadas;

Ubicación de la boquilla - Respiración adecuada - Postura relajada.

Y finalmente procedemos a realizarlo con la trompeta. Esta forma o manera de realizar un primer acercamiento al instrumento, tiene la gran ventaja de evitar posibles frustraciones y/o dificultades en la embocadura por parte del estudiante.

sábado, 7 de junio de 2008

Wynton Marsalis

Alma, corazón y vida

Esta nota fue realizada en el año 2006, en víspera del Festival de Jazz de Victoria. Creo que vale la pena poder leerla nuevamente. Dado que los comentarios musicales y también personal. Son realmente muy interesantes.

Parte I

Uno de los hombres más influyentes y famosos del jazz, Wynton Marsalis, de 44 años, nos recibe en su casa de Nueva York para hablar de música, de las raíces españolas y de su tierra, Nueva Orleans. Es una de las estrellas del Festival de Jazz de Vitoria, que cumple 30 años la próxima semana.

“¿Que cómo suena lo que estoy escribiendo para el festival de Vitoria? Mire, es una cosa así…”. Y Wynton Marsalis se levanta del sofá y se sienta en el piano que ocupa la esquina del salón de su apartamento, en el piso 29 de una torre próxima al Lincoln Center de Nueva York. Desde las ventanas se ve brillar el sol de la tarde de finales de mayo sobre las aguas del Hudson, con el perfil de New Jersey al fondo.

La cita era en las oficinas de Jazz en el Lincoln Center, que fundó en 1987, pero su jornada ha sido agotadora, y Wynton Marsalis –con zapatillas deportivas, vaqueros y una camiseta negra en la que está escrito New Orleans 5 con letras verdes, amarillas y moradas y una trompeta apoyada en la A– prefiere hablar con EPS en su casa. “Me he levantado a las siete, como siempre. Hoy tenía que acabar de escribir el discurso de la ceremonia de graduación de la Juilliard School y luego leerlo… Tardé bastante tiempo en escribirlo. Y tengo mucho trabajo atrasado, cosas sobre las que estoy… ¿Ve todo aquello que hay allí? Y luego, otras cosas, todo aquello que está en aquel otro sitio… Y aún tengo un montón de llamadas de teléfono pendientes. Y se supone que tengo que ir a una recepción esta noche… Pero no voy a ir”.

Marsalis, que cumplirá 45 años en octubre, habla con una cierta ronquera, parece realmente cansado y deja algunas respuestas a medias. Por la mañana ha recibido un doctorado honoris causa en Juilliard, la escuela de música, danza y arte dramático más prestigiosa de Estados Unidos, a la que él asistió en 1978 y que este año cumple un siglo. Es uno de los muchos reconocimientos que ha tenido por sus 60 grabaciones y sus múltiples actividades: 30 doctorados honoris causa, las condecoraciones más destacadas para artistas extranjeros en Francia y el Reino Unido, el primer Premio Pulitzer de jazz, en 1997, y nueve Grammys, siete en la categoría de jazz y dos en música clásica.

Es muy joven, y sin embargo…

No soy tan joven.

Bueno, después de haber hecho prácticamente de todo como intérprete, compositor, director, educador y agitador, ahora, con 44 años, va a tener además una estatua suya en Vitoria…

No es exactamente una estatua mía. Lo que me ha contado Iñaki [Iñaki Añúa, director del Festival de Jazz de Vitoria] es que la estatua es más bien algo que recuerda a todos los músicos que han pasado por el festival. O sea, que no tiene que ver tanto conmigo como con el espíritu del festival y con toda la gente que ha estado allí. Y eso es lo que más me gusta.

Es la estatua de un músico que tiene su cara. Creo que se lo pasaron bien al hacer el vaciado del molde, cuando le dijo a Iñaki Añúa que le estaba entrando el líquido por un oído…

Sí [risas], le estaba tomando el pelo, lo pasamos muy bien… Yo me siento parte de la familia de Iñaki. Nos conocemos desde hace tanto tiempo, y le tengo tanto respeto y le quiero tanto que… Pero muchas veces le tomo el pelo. Me encantaría hablar español, porque con la barrera del idioma muchas veces me es difícil bromear.

Ese músico con su cara tiene una trompeta. ¿Cuál fue su primera trompeta?

La primera que tuve… Creo que fue en Nueva Orleans, yo era niño, vivía con mi familia… Hace un montón de tiempo que no veo esa trompeta, pero me acuerdo de que fue un regalo de Al Hirt, que era un trompetista de Nueva Orleans; mi padre tocaba en su banda cuando yo tenía seis años. Era una LeBlanc, hace mucho que no la veo… Me acuerdo de la funda…

Marsalis deja la mirada perdida. Nació el 18 de octubre de 1961 en Nueva Orleans, el segundo de una familia de seis hijos. Su padre, Ellis, era profesor de música, y varios de los chicos –además de Wynton, el más conocido es el saxofonista Branford– le siguieron el compás. Wynton no hizo mucho caso de aquella LeBlanc, aunque a los ocho años ya andaba liado con la banda de la iglesia bautista de Fairview. A los 12 se lo tomó en serio y empezó a practicar la trompeta y a meterse en todas las salsas: bandas callejeras, grupos de jazz y funk, orquestas de música clásica… A los 14 años tocó el concierto para trompeta de Haydn con la Sinfónica de Nueva Orleans. A los 17 fue a la Juilliard, en Nueva York, y dos años más tarde tuvo el privilegio de entrar en la banda de Art Blakey.

Ahora, cuando la luz de la caída de la tarde llena la habitación, la mirada de Marsalis está aún en Nueva Orleans, en su vieja trompeta LeBlanc: “Sí… La funda era de color anaranjado, era más bien como una maleta. Todavía me acuerdo del olor… Bueno, esa fue mi primera trompeta. La que tengo ahora está hecha por un tipo que se llama Dave Monette, y que vive en Portland, Oregón. Es una Raja”.

El festival de Vitoria cumple 30 años. Wynton Marsalis es alguien muy especial para el festival, y supongo que al revés ocurre un poco lo mismo.

¡No un poco, un mucho! ¡La cantidad de cosas que hemos hecho en ese festival! Nuevas composiciones, conciertos para jóvenes, introducción de la música a los chicos, seminarios con la Escuela Juilliard, un pic-nic con todos los músicos de Nueva Orleans… Un montón de cosas. Iñaki siempre tiene algo nuevo que inventar. Una persona como él es algo muy importante para una comunidad, ¿sabe lo que digo? Él crea el sentimiento de comunidad y usa la música para unir a la gente. Y es incansable. Para mí es un honor formar parte de todo eso.

Hasta tal punto es usted parte de todo eso que está escribiendo una ‘suite’, la ‘Suite Vitoria’, que va a estrenar allí.

Sí, estoy trabajando en eso. Va a ser larga; va a tener nueve movimientos, no doce como pensaba al principio, porque doce son demasiados. Ya hemos hecho tres; he escrito otro tres, y ahora voy con los últimos tres.

¿Cómo suena lo que está componiendo?

Bueno, es algo que tiene mucho de música española, de música vasca y de flamenco… Pero no imitando, sino traduciéndolo. Lo que trato de hacer es traducir todo eso al sonido del jazz, el compás, el ritmo, el uso de las armonías… Por ejemplo, mire…

Wynton Marsalis resucita de su agotamiento, se levanta del sofá y va hacia la esquina del salón donde está el piano, cubierto de grabaciones, papeles y partituras: “Mire, aquí puede ver lo que estoy haciendo… Éste es uno de los borradores en los que estoy trabajando… ¿Ve? Esto se llama La visión de Iñaki… Si la pregunta es cómo suena, pues… Le voy a dar un ejemplo de lo que le estaba diciendo. Estamos hablando de jazz, y esto que tiene aquí delante son notas de jazz. Si no fuera jazz, sonaría así…”.

Tiene un aire de música tradicional española…

Pero esto es jazz, así que lo que acaba de oír yo lo uso como fondo. Y lo que estoy componiendo va a sonar así…

Y Wynton Marsalis toca –para un solo oyente, sentado detrás de él, casi sin respirar, en el alféizar del ventanal– unas notas de la Suite Vitoria. “¿Ve? Cuando escribo las progresiones, trato de usar las cosas y los temas de la música española, pero sin que sea obvio… Mire ahora, esto es lo que quiero decir cuando digo que es algo obvio, ¿ve?”.

El educador Marsalis vuelve a otra composición clásica.
Suena un teléfono que rompe el momento mágico.
Pero no: Wynton lo deja sonar e improvisa al piano una réplica del tono telefónico. Y con esta ida y vuelta, de la música clásica española y del timbre telefónico al jazz, y unas cuantas risas, la lección acaba.

Continua..

http://www.elpais.com JOSÉ MANUEL CALVO 02/07/2006

la Criogenia

La Técnica de conservación en frío

La moda de rejuvenecer también ha llegado a los instrumentos musicales. Varias empresas ya ofrecen la criogenia, la técnica de conservación en frío, a los que tienen instrumentos tan queridos que desean preservarlos y, supuestamente, mejorarlos en calidad.

Un trompetista de entrenamiento clásico, Joseph Markoff, ya comprobó los efectos de la criogenia, según informó al diario The New York Times. ¿Está dispuesto a congelar su trompeta?, le había preguntado Steven Wasser, un fabricante de flautas. Sorprendido, Markoff finalmente accedió, aunque envió para el experimento una vieja trompeta (no la que habitualmente usa).

Cuando Markoff la volvió a tocar después de haber sido congelada, descubrió que su instrumento se había convertido en una de las trompetas más libres para tocar y más espléndidamente enfocadas que había tenido alguna vez. Steven Wasser es uno de los varios fabricantes que ofrecen la posibilidad de alargarle la vida a los instrumentos. Reveló que había tenido tanto éxito con el proceso de congelamiento profundo que ahora incluía habitualmente ese paso en el proceso de fabricación de flautas.

No doy a publicidad lo de la criogenia porque no lo puedo probar de forma científica dijo Wasser. Pero casi todo aquel que participó de una prueba a ciegas eligió el instrumento tratado de este modo, agregó. Los instrumentos musicales congelados pueden llegar a tener sonidos extremos. Y la criogenia se visualiza como un ejemplo en que los fabricantes de instrumentos metálicos y de madera de viento se debaten por decidir cuánta tecnología deben usar a la hora de rehacer su arte.

Una de las modalidades de fabricación actual consiste en estirar el metal hasta las contorsiones que conforman a la trompeta o tuba, un paso que puede perturbar la estructura molecular de la aleación metálica. Por el calor al que se lo somete, el metal se volvería más maleable pero también puede desparramar las moléculas. Entonces, el supe enfriamiento parecería devolver una disposición más ordenada de las moléculas, aliviando el estrés en el metal.

¿Los resultados? Los que ya probaron la oferta aseguran que existe una diferencia en la facilidad para tocar y en la gama de colores de los tonos. Por caso, Wayne Tanabe, dueño del comercio de reparaciones musicales Brass Bow, en Illinois, cuenta con un tanque criogénico que contiene a una tuba. Por alrededor de 200 dólares, Tanabe limpia un instrumento con ultrasonido, lo envuelve después, y durante 35 a 50 horas, le baja gradualmente su temperatura hasta cerca de 162 grados bajo cero. Al final, el frío extremo le devuelve calidad de sonido al instrumento, al mejorarle su resonancia.

Para David Monette, de Portland, Oregon, que construyó las inusuales y reconocibles trompetas que usa el músico de jazz norteamericano Wynton Marsalis, estimó que la criogenia es la respuesta del hombre a los problemas de resonancia. Por los buenos comentarios del trompetista Markoff, alrededor de 20 músicos de la Orquesta de Filadelfia congelaron unos 45 instrumentos. Y si bien los resultados no fueron uniformes, muchos músicos calificaron el sonido como más rico y mucho más centrado.

http://www.clarin.com

Hasta la Próxima !!

jueves, 5 de junio de 2008

"Charla entre Trompetas"


Si las Trompetas hablaran, tal vez se dirían cosas como estas dos !! _ Una forma de recordar al único y talentoso Dizzy Gillespie.

martes, 3 de junio de 2008

Wynton Marsalis: Cherokee



Esta es una suprema versión de
Cherokee, con el solo de este extraordinario trompetista. Donde podemos ver y escuchar la enorme calidad interpretativa y por sobre todo la maravillosa técnica del fraseo en su improvisación.

Wynton Marsalis ha llegado al punto de ser uno de los más grandes músicos de Jazz contemporáneo. Todo un ejemplo.

Taller de Tombón

Hola ..tengo para ustedes una nueva propuesta musical: 
 Clases de Trombón.
 
Las mismas se desarrollaran en el Centro Cultural Manuel Ravallo. Lugar donde actualmente dicto mi Taller de Trompeta. Las clases serán dictadas los días miércoles en horarios comprendidos entre las 18 y 22 hs. 

Esta dedicado a todo aquel que tenga la inquietud de aprender este instrumento. La edad mínima de inscripción es la de 12 años. El Taller es totalmente gratuito, el único requisito es tener muchas ganas de aprender !!

Hasta la Próxima !!

domingo, 1 de junio de 2008

Keith Jarrett: Un Maestro del Jazz


Keith Jarrett nació el 8 de mayo de 1945 en Allentown, Pensilvania. Es uno de los pianistas más importantes que surgieron desde los años ’60. Su carrera ha pasado por varias etapas y ganó fama internacional por sus conciertos como solista improvisando la totalidad de su música sin ningún plan previo.

Lideró cuartetos, quintetos, interpretó música clásica y recientemente tocó standars en versiones de exploración musical con su trío. Aunque su tendencia de “cantar solo” con su piano puede distraer de tanto en tanto, Jarret sigue creciendo como un gran improvisador luego de 30 años de importantes éxitos.

A los tres años, comenzó a tocar el piano y cuando tenía siete ya había dado su primer recital. Fue un niño prodigio y ya era profesional cuando aún estaba en la escuela. En 1962 se graduó en la Universidad de Berklee y luego comenzó a trabajar en Boston con su trío. Se mudó a Nueva York en 1965 y pasó cuatro meses con los “Jazz Messengers” del baterista Art Blakey. Como miembro del muy popular cuarteto Charles Lloyd (1966-1969), Keith viajó por el mundo y se hizo conocido, también comenzó a tocar el órgano y los teclados (que utilizaría durante los años ’70).

Durante los años 1969 a 1971 estuvo junto al grupo de fusión de Miles Davis tocando el órgano y los teclados, otro integrante importante del grupo fue Chick Corea . Si bien durante todo el concierto en vivo de Fillmore se nota claramente la “lucha” entre Keith Jarret y Chick Corea, la misma resulta mucho más creativa en el disco Live/Evil.

Luego de dejar el grupo de Mile Davis, Keith Jarrett dejó de usar por completo cualquier tipo de teclado para dedicarse únicamente al piano acústico. Dirigió su grupo durante las sesiones de grabación que se realizaron durante los años 1967 a 1969 en Vortex y en 1971 en Atlantic, pero a partir de 1971 grabó predominantemente para ECM aunque también grabó en 1970 para ABC/impulse. Su asociación con EMC ha llegado hasta nuestros días. En el año 1970 Jarrett dirigió dos grupos; uno muy interesante con Dewey Redman, Charlie Haden, Paul Motian y un percusionista ocasional que frecuentemente era Guillermo Franco; y una banda Europea con Jan Garbarek, Palle Danielsson y Jon Cristensen con la que grabó el famoso disco “Mi canción”.

Sugerencia

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